Alvar Aalto

1. Justifíquese un objeto diseñado por Aalto como de su autoría. ¿Por qué es de Aalto?

Alvar Aalto


Seguidor del funcionalismo y la arquitectura orgánica integrada en el entorno, defensor de la claridad en la forma, proporciones elegantes y poca ornamentación. En los diseños propone que la forma de un artículo debería de ser deteminada por su uso. La manera de planear su trabajo era; pensar que un buen diseño pone en primer lugar la utilización del humano, tiene que funcionar sin problemas y por último aguantar el uso diario.

La silla Paimio ha sido considerada como una escultura en si misma. Su forma curva se consigue gracias a una lámina de madera de abedul. A pesar de su aspecto macizo se trata de una silla muy cómoda. La estructura de la silla esta formada por dos brazos y dos finas hojas de madera donde descansa el asiento. La Paimio Chair recuerda a los muebles de Marcel Breuer, solo que con madera en lugar de acero, con lo que Aalto consiguió unas formas más naturales y orgánicas que las industriales sillas de Breuer.


2. Identifíquese como parte de una obra de mayor escala. ¿Por qué tiene o cobra sentido dentro de esta obra?

Silla Paimio


Surge de un concurso abierto por el estado finlandés para crear un edificio para enfermos de tuberculosis. Frente al desafío, Aalto, luego de haberse adjudicado la obra, decidió dejar de lado las ideas racionalistas que imperaban y plantear un edificio al servicio de los pacientes. Así, con una idea de que el sanatorio en sí mismo formaba parte de la cura de los enfermos, diseñó un edificio donde la circulación, la disposición de los espacios y la iluminación contribuyeran al bienestar de los internos.

En la época, la tuberculosis se curaba con largos días de internación y descanso al sol. Con estas ideas en mente, Aalto tuvo un particular cuidado en el diseño de las facilidades del sanatorio. Así que como surge la silla Paimio, que fue pensada para que los enfermos pudieran pasar largas horas sentados con gran comodidad.

3. ¿Podría explicarse la una sin la otra o, son inseparables en la obra de Aalto?

Aunque originariamente fue creado para estar en el sanatorio Paimio, esta silla podría ser sustituida por otra de sus sillas o sillones y cumpliría su misma función; sin embargo éste se concibe gracias a la obra arquitectónica del sanatorio.

La silla tuvo una gran influencia sobre otros diseñadores como Charles Eames, fabricada por Artek desde 1935, marca creada por Alvar Aalto y su esposa Aino para comercializar sus muebles. Asi se desvincula del sanatorio.
El modelo actual está lacado en blanco, el original era color abedul. La silla forma parte de la colección permanente del MOMA.

4. Posiciónese cada grupo en cuanto a la necesidad, o no, de controlar la utilización concreta en contextos concretos de los objetos de mobiliario de diseño industrial.

Creo que si, que siempre tiene que haber un control de los elementos, porque cada mueble tiene que tener una cierta armonía con el entorno en el que esta colocado, pueden contrastar sus estilos pero siempre controlados.

5. Bien con una fotografía real, bien a través de un fotomontaje, exprésese gráficamente y justifíquese en texto algún ejemplo de desajuste en la utilización de un diseño en un contexto concreto.


En esta fotografía la cerámica del lavabo, es un diseño moderno, contrasta con el estilo clásico del mueble y el espejo.




hecho por: candela garcia bragado

Practica 3: comentario de texto

A partir del texto escrito por Walter Gropius, en 1926, “Principios de la producción de la Bauhaus”, vamos a proceder a analizar esta escuela ya que es la antecesora del diseño industrial tal y como la conocemos hoy en día.

La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania).Este defendió la racionalización de la industria de la construcción para permitir construir de forma más rápida y económica
Gropius era director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola Escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.
La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, predomino la vertiente de la vanguardia alemana expresionista. Pero como nos dice el texto, hacia 1922 esta tendencia se pierde a favor del neoplasticismo holandés.
La segunda etapa (1923-1925)fue mucho más racionalista, las tendencias del expresionismo son sustituidas por otras provenientes de la vanguardia de la época, como en neoplasticismo y el constructivismo Ruso.
Las bases de esta corriente, el neoplasticismo es llegar a la escencia a través de un lenguaje plástico objetivo y universal. La revista De Stijl,fue el principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.
Características de esta corriente:

Coherencia estética; que sea un movimiento inconfundible (debe haber, por tanto, un programa).
Grupo antindividualista; algo que ya vimos en el cubismo analítico con Picasso y Braque (sus obras apenas se distinguían).
Buscan un lenguaje formal novedoso; distinto del arte tradicional.
Los elementos básicos de las obras neoplasticistas son:
Línea vertical y horizontal
Colores claros y oscuros (primarios/ gris, blanco y negro)
Concepto de grande y pequeño, es decir, la oposición de contrarios
Ángulos rectos y grandes planos
Aplicación del arte a todos los ámbitos (algo que ya pudimos ver en el movimiento modernista).

En la tercera etapa (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau.
En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. Toma la arquitectura como disciplina fundamental. Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, la ideología Bauhaus, era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cierran la escuela. Muchos de los integrantes de la misma entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

Bien, centrados en el marco histórico y temporal, procederé con el análisis del texto en el que Gropius nos expone las intenciones de la escuela, entre las que pretenden reflejar el momento histórico, presente en los objetos que rodean la sociedad, de los más banales a los más colosales.

Para ello es necesario buscar la esencia de las cosas, para crear nuevas formas, contacto constante con la técnica y el progreso (un nuevo espíritu e trabajo a través de las relaciones entre los objetos y la tradición), sin olvidar el elemento de partida paraa crear un objeto, su función, principio de la bauhaus desde su fundación, "la forma sigue a la función". También el moovimiento moderno, marca unaspautas a seguir, como la ausencia de elementoss embellecedores, formas y colores básicos, y la sobriedad en términos de espacio, materiales, tiempo y costes, (con el fin de lograr una fácil comprensión del objeto), que nos lleva a visualizar la necesidad de la creación y fabricación de productos en serie debido a la demanda de las masas, para poder producir más calidad y más barato, liberando así al individuo del trabajo material por medio dela fuerza mecánica (técnica).

Aunque esta labor no será bien vista por los artesanos, quiénes no son capaces de apreciar la inminente fusión de la artesanía y la industria, la técnica y la forma. Un punto de vista que sitúa producción industrial como la artesania del futuro.

Respecto a la metodología para la producción en serie, se plantea la creación de prototipos para asegurar la correcta producción en masa que debe satisfacer requisitos económicos, técnicos y formales.

La posterior producción en serie es llevada aa cabo por empresas ajenas a la bauhaus, argumento en el que se respaldan ante artesanos ya que no compiten contra artesanos ni industria, tan sólo se consideran un nuevo factor de desarrollo para ambas.

Así que, podemos concluir con que la Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana. Y en el ambito del diseño de productos, lucharon por la busqueda de la rentabilidad mediante modernos medios de estandarización, con el fin de lograr un trabajo de calidad.



Tetera Marianne Brandt



Marianne Brandt 1893 - 1983 fue una pintora, escultora y diseñadora industrial relacionada con el comienzo de la Bauhaus en 1923, partiendo de cuerpos elementales, creaba objetos de perfecta armonía.
Ingresó como estudiante en la Bauhaus, al principio con grandes dificultades para ser aceptada en el taller del metal, por su condición de mujer. allí realizó trabajos y objetos relacionados siempre con el metal, como teteras y servicios de café de formas geométricas. Fue una de las primeras mujeres en sobresalir en el campo del diseño industrial.
La tetera de Marianne Brandt, pertenece al año 1924, durante el periodo de la primera fase de la historia de la Bauhaus de Dessau. Esta realizada de láminas de latón plateado y ébano por dentro, altura 7,5 cm. Como en muchos de los diseños de la Bauhaus de Weimar, Brandt parte en sus consideraciones estéticas de las formas básicas (en este caso circulo, esfera y cilindro). Los procesos de producción mecánica eran aún poco conocidos y se creía que las formas elementales eran más fáciles de producir industrialmente.
Las formas y colores elementales eran una especie de abecé sobre el que reinaba acuerdo unánime entre pintores, escultores, arquitectos y diseñadores.
Con la misma naturalidad que se aceptaban las formas y colores básicos como punto de partida del diseño los alumnos se cuestionaban la función. Había que producir la forma adecuada al uso, no estilo ni artesanía industrial.
Como la producción de la Bauhaus se orientaba en las formas y colores básicos surgió algo así como el estilo Bauhaus. A lo largo de 1924 se estableció la productividad en el taller del metal, al menos 43 objetos estaban listos para la producción en cadena, entre ellos la tetera de Marianne Brandt, de este modo, la Bauhaus toma parte por primera vez y con éxito la más relevante feria de artesanía de los años 20, La Feria Leipzig.

Fuentes bibliográficas utilizadas: internet (wikipedia) y apuntes de historia del diseño de la escuela Eudi.

practica 2: Frank Gehry

En esta segunda práctica tenemos que explicar lo que para Frank Gehry significa el ideal de belleza.

Frank Owen Gehry nació en Toronto, Canadá, en 1929. Se conoce por sus diseños esculturales de los edificios, esculturas curváceas, cubiertas en su mayor parte por metales reflectantes.
Su obra más famosa, la que mejor demuestra su peculiar estilo es el Museo Guggenheim de Bilbao, recubierto de titanio, ganó el Premio Pritzker en el año 1989.
En la actualidad es uno de los arquitectos más conocidos del mundo, debido a la excepcional originalidad de sus obras que suscitan todo tipo de reacciones salvo el aburrimiento y la indiferencia.

Se trata de un arquitecto innovador al que no le gusta ceñirse a las normas establecidas lo que hace que sus obras se salgan de lo común. La arquitectura de Gehry no parece poseer demasiadas referencias teóricas, y sus métodos proyectuales y procesos de trabajo son muy personales. Toda su brillantez se explica, en su talento personal.

Destaca su complejidad, la composición de sus edificios es impactante mezclando materiales como el cristal o el metal, formas irregulares y voluptuosas, juega con distintas formas geométricas, abstractas, mezcla planos y líneas inclinados y retorcidos, generando volúmenes casi incomprensibles, siempre teniendo en cuenta la iluminación, su entendimiento en este campo le lleva a jugar con ella, tanto de forma natural como artificial. Unido a sus formas originales crea espacios inverosímiles, resolviendo al mismo tiempo problemas de materiales, y funcionalidad del edificio. En el juego de volúmenes y en los materiales empleados se encuentra la calidad de sus diseños.

Así su arquitectura es pozo común, al incorporar en el mismo edificio diferentes formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. El movimiento se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y, en apariencia, de la geometría curvilínea, que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura como la estructura y la envolvente.


La silla que aquí se muestra guarda una gran similitud con los principios constructivos de Frank Gehr.
FRANK GEHRY

Como podemos observar utiliza materiales metálicos brillantes y pulidos como Frank. Mediante una geometría curvilínea, consigue romper con la idea básica de silla que tenemos en la cabeza, mediante el enlace de formas geométricas básicas, rozando los límites delo abstracto.

Es capaz de plasmar esta obra maestra que encaja con los ideales de belleza propios de Frank Gehry.

PRÁCTICA 1 Logotipo

Bien, hemos creado un logo atractivo a la vista con el fin de simbolizar la asignatura de etética, plasmando a modo de geroglífico el nombre de la misma, junto con el curso en que la vamos a trabajar.
La composición del logo compuesta por tres bloques, intenta representar los estadios del tiempo, pasado presente y futuro, fases que conforman la historia del hombre.
El bloque "TTI" representa el pasado con un simil de tipología romana, recordando épocas cruciales del ser humano.
El presente lo representa el bloque "es", que intenta reflejar la era de la comunicación, internet, el pan de cada día.
Y por último, el futuro ha sido plasmado con cierta incertidumbre en el cuerpo de un código de barras, en el que hemos incrustado nuestra última parte del nombre de la asignatura.
En cuanto al significado del orden de la composición, hemos invertido la colocación de los bloques para encajarlos a modo de simil con las direcciones de las páginas web. Pero este no es el motivo principal, es cierto que aporta coherencia a nuestro logo.
No obstante, distorsionar el orden de los bloques nos llama más la atención, por lo que es más probable que invitandonos de este modo a descifrarlo, reflexionando sobre el, quien lo vea y entienda, lo recuerde.
También, si lo descrito se torna cierto, podemos sentirnos orgullosos por haber logrado estimular un poco las mentes, en parte acostumbradas a asimilar sin analizar, hablamos de enemigos como la television, entre otros...